福間洸太朗の足あと

• 日本のみならず、世界五大陸を股にかけて演奏活動を行う福間洸太朗。その国際的なキャリアをスタートさせるきっかけとなったのは、2003年、クリーヴランド国際ピアノコンクールでの日本人初となるセンセーショナルな優勝だった。以来演奏活動を増やし、訪れた国の数は、22ヵ国余り。ここでは、普段のインタビュー等では紹介しきれていない、福間洸太朗のいまを築き上げたこれまでの活動と、これからの活動ついてご紹介する。

  【第14回】◆ファンタジー・オン・アイス
  【第13回】◆《コン・フォーコ》オール・ショパン・リサイタルによせて
  【第12回】◆マチュー・ガニオとの共演を終えて
  【第11回】◆ピアノ・リサイタル ～トランスフォーメーション～ヤマハホール
  【第10回】◆パリ・オペラ座エトワール、マチュー・ガニオとの共演を前に
  【第9回】◆ゴールデンウィーク恒例「N響 ゴールデン・クラシック」
  【第8回】◆新譜「モーツァルト：ピアノ協奏曲第9番変ホ長調《ジュノーム》／シューマン：ピアノ協奏曲イ短調」について語る(後編)
  【第7回】◆新譜「モーツァルト：ピアノ協奏曲第9番変ホ長調《ジュノーム》／シューマン：ピアノ協奏曲イ短調」について語る(前編)
  【第6回】◆新譜「モルダウ～水に寄せて歌う」について語る(後編)
  【第5回】◆新譜「モルダウ～水に寄せて歌う」について語る(前編)
  【第4回】◆南アフリカはじめ、世界の街でのリサイタルが増える(2006-7)
  【第3回】◆大切なことを学んだアメリカでのコンサート(2005)
  【第2回】◆東京デビューとアメリカでのツアー、怒涛のスケジュール！(2004)
  【第1回】◆クリーヴランド国際ピアノコンクール優勝(2003)
  

  (文：高坂はる香)

連載第14回 2016年11月

• ◆ファンタジー・オン・アイス

  最近、フィギュアスケートとの共演でも注目されている福間洸太朗さん。去る5～6月にファンタジー・オン・アイス2016全公演に出演し、フィギュアスケーターたちとの華やかなコラボレーションを披露しました。子供の頃からフィギュアスケートが大好きだったという福間さんが、今回の共演の思い出を語りました。

  ◇生演奏とのコラボは一度限りの作品

  コラボレーションをしてよく驚かれるのが、僕が演技を見ながらジャンプやスピンに合わせて演奏を調整していること。自分の中ではごく自然にやっていることなのですが、弾きながらそこまで見ている奏者は珍しいらしいです。
  
  その瞬間のインスピレーションや感情でスケーターの演技の呼吸は変わりますから、それにしっかり合わせることで、生演奏とのコラボレーションならではの、一度限りの作品が生まれるのではないかと僕は思います。ピアノ一つで奏でる音楽だと余計にお客様も両者の呼吸が感じられるでしょうね。

  今年はそんなツアーの合間に、ヤマハホールでコアなプログラムのリサイタルが入っていたので、レパートリーの準備はもちろん、意識して気持ちを切り替えることも大変でした。
  
  アイスショーでは、楽屋にピアノがなく、練習時間も限られていたので、整氷時間やスケーターの個人練習で曲かけしない時に横で弾かせていただきました。 荒川静香さんがそれを「心地良い至福の時間でした」とツイッターで書いてくださって、とても嬉しかったです。

  ◇コラボレーションで表現・解釈も深まる

  フィギュアもバレエも、細かい音に対して振りがついている部分が多いので、それが一つ一つうまく合わないと、動きの意味がなくなってしまいます。そのおかげで、普段サラサラと何気なく弾いていた部分にも、より意識が向くようになりました。例えば去年、鈴木明子さんと「月の光」で共演した時、振り付けの表現の都合で、ある部分を少しゆっくりめに弾いてほしいと言われました。試してみたところ、音楽としてもその方が自然に感じられました。
  今年のアイスショーでは、私の方が一歩踏み込んで、演奏者の立場から作曲家が意図したこと、音楽の方向性などをお伝えし、曲の編集に提案させていただくこともありました。ステファン・ランビエルさんとのラ・ヴァルスでは、コンセプトや振付なども議論し、時間をかけて一緒に作品を作り上げるという、貴重な経験が得られました。
  

  スケーターたちとの共演から学んだもう一つのことは、先の計画を立てることの大切さです。
  アスリートは現役でいられる期間が限られ、その中で業績をあげなくてはいけません。時間との戦いという側面があるので、1日1日がとても大切なんですよね。そんな姿を見ていて、体が思い通りに動くうちに、自分が弾きたい作品を何歳までに取り組み、やりたいプロジェクトのアイデアはどんどん具現化しなくては、と強く感じるようになりました。僕は弾きたい曲が沢山あるので、5・6年先まで考えるようになりました。鬼が笑うどころじゃないですね(笑)。
  でも、芸術家として時間をかけて取り組み、演奏解釈を深めるということも大切にしようと思います。この秋に取り上げたショパンや『三大楽聖のキセキ』では、過去に弾いたものも多く含まれていましたが、解釈や弾き方は変わっていたと思います。
  
  これからも、様々な分野から学んだことを活かして、自分なりの演奏活動を続けていきたいと思います。

連載第13回 2016年9月

• ◆《コン・フォーコ》オール・ショパン・リサイタルによせて

  ショパンの命日である10月17日にサントリーホール、ブルーローズで行うオール・ショパン・リサイタルのチケットが即日完売したため、紀尾井ホールで同プログラムによる追加公演を開催することが決定しました。福間洸太朗さんが、このプログラムによせての想いを語ります。

  ◇独自のアプローチで届ける「24のプレリュード」

  プログラムのテーマは“コン・フォーコ”。“熱烈に、火をもって”という曲想を表す言葉です。今回は「24のプレリュード」を中心とし、“コン・フォーコ”を軸に置いてプログラムを選びました。
  9月に京都岡崎音楽祭のオープニングで、バレエダンサーの首藤康之さん、中村恩恵さんなどと共演し、「24のプレリュード」の抜粋を演奏しました。この機会に全部勉強し、リサイタルで取り上げようと楽譜を眺めていたら、第16番で“コン・フォーコ”が使われていることに気がつきました。24曲中、激しい部分で“アパッショナート”は出てきますが、“コン・フォーコ”はこの1回だけ。そこに注目して見ていくうち、全24曲の中で、この第16番が一つの区切りになっているのではないかと思うようになりました。
  一般に、ショパンは繊細で美しいというイメージがあるかもしれません。でもとくに「24のプレリュード」には、それ以外のさまざまな心情が現れ、“コン・フォーコ”にいたっては、持てるパワーを出し切るような感情的な音楽を聴くことができます。
  他の作品においても、“コン・フォーコ”は、ショパンがポーランドを離れてから10年ほどの間に書かれた作品でしばしば登場します。彼が激動の人生を過ごした時代です。そこにはショパンの特別な想いが込められているのではないかと思います。バラード1番にも“コン・フォーコ”は出てきますが、祖国ポーランドがロシア軍の手に崩落した後くらいに書かれたことなども反映しているはずです。
  “アパッショナート”は感情の昂ったポジティブなイメージでも使われているのに対して、“コン・フォーコ”には、理性を失って抑えきれないものが溢れ出すようなところがあります。この、“コン・フォーコ”に注目して「24のプレリュード」を聴いたらどのような印象になるか。“コン・フォーコ”に向かって音楽がどのように展開してゆくのか。そういう、普段と違ったアプローチで聴く楽しみを、みなさんにも届けたいと思います。

  僕自身、昔に比べてショパンに対する理解も変化しました。以前はやはり繊細で美しい音楽というイメージがあったのですが、フランスに留学して音色に対するこだわりを強く持つようになり、またドイツに移って古典音楽のアナリーゼをより勉強してから、演奏するにあたっての見方、ショパンを好きだと思うポイントも変化したように思います。
  「24のプレリュード」には数々の名演があるので、これまで敬遠してきたところがあります。でも今回、短い一つ一つの曲の中にショパンがどんな思いを込めているのか、自分なりのアプローチで追究し、表現することができたらと思います。

  　

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連載第12回 2016年7月

• ◆マチュー・ガニオとの共演を終えて

  パリで2016年5月16日、ゴーゴリの「狂人日記」をベースにした舞台作品「Le Rappel des Oiseaux」で、バレエ界のスター、マチュー・ガニオさんと共演した福間洸太朗さん。終演後には大きな喝采が沸き、現地批評家たちからも絶賛されたという公演の様子を振り返ります。

  ◇マチュー・ガニオ氏の新たな挑戦に立ち会って

  
  ©Stéphane Delavoye
  今回の舞台は、パリ、オペラ座エトワール、マチュー・ガニオさんの、役者としてのデビュー公演でした。ステージに立つのは彼と僕だけ。椅子とベンチ、そしてピアノが置かれたシンプルなセットの中、台詞と踊り、J.S.バッハやラモーというバロック作品の演奏で物語が進められていくものです。
  もともと、マチューさんのバレエ学校時代からの友人である演出家のオリアンヌ・モレッティさんが、マチューさんはダンサー以上の活躍ができる人だと考えて提案したことから始まったプロジェクトでした。
  
  ©Stéphane Delavoye
  まず言えるのは、マチューさんの役者としての才能が見事に示される公演となったということ。踊りだけであらゆることを表現してきたバレエダンサーにとって、言葉で表現するのはまったく新しい挑戦です。今回の舞台は、踊りも一般的なバレエのものではなく、モダンな振り付けによるものでした。バレエ界のプリンスが、誰も想像しなかった狂人という役柄で演劇デビューし、また一人芝居でいくつもの役を見事に演じ分けたことは、驚きをもって大絶賛されました。そんな舞台で共演することができて、本当に光栄でしたね。
  
  

  ◇演劇を支える、J.S.バッハとラモーの音楽

  
  ©Stéphane Delavoye
  物語を支える立場として、音楽はいろいろな役柄を果たしていたと思います。踊りの場面の音楽はもちろん、セリフに呼応したり、BGMとなったり。J.S.バッハは主人公の精神状態や場面の背景を、ラモーは主人公が想いを寄せる女性を暗示する場面で使われます。
  普段の演奏会や、ダンス、フィギュアスケートとのコラボレーションであれば、音をいかに響かせるかを考えます。でも演劇の場合、セリフと重ねて演奏する部分では、セリフの邪魔をしないよう“いかに響かせないか”を考えなくてはいけません。これはとても新鮮な経験でした。暗いステージでフランス語のセリフのテキストを追いながら、正しいタイミングで音楽を入れていくのも初めての経験でしたが……。
  演出のオリアンヌさんは、これは室内楽だとおっしゃっていました。マチューさんが仕掛けるときもあれば、僕のピアノが仕掛けるときもある。一緒に同じ方向に進むときもあれば、対立するときもある。アンテナを一つ増やして演奏するという、ソロの演奏の時とは違った能力が求められます。おもしろい経験でした。
  
  ©Stéphane Delavoye
  
  僕はもともとフィギュアスケートが好きで、昔はそちらばかり観ていましたが、改めてバレエも観るようになって、似た要素はありながらも各々でなければ表現できないものがあると感じました。着氷の衝撃に耐えるために下半身が強いスケーターに対して、バレエダンサーは上半身が鍛え上げられているなどの違いもありますから、見ていると、ウォーミングアップのやり方も違います。……マチューさんは本番直前に腕立てをしていましたが、スケーターは陸上でジャンプや走り込みをすることが多いですからね。興味深いです。
  
  

  ◇9月に京都岡崎音楽祭でバレエと共演

  そんな中、9月に京都岡崎音楽祭のオープニングイベントで、バレエダンサーの首藤康之さん、中村恩恵さんらと共演することになりました。ショパンの「24のプレリュード」からの抜粋などを演奏する予定です。
  先のマチューさんとの共演では、踊りは本来のバレエとは少し違うものだったので、純粋なバレエと共演するのは今回が初めてとなります。日本のバレエ界のトップの方とコラボレーションできることが楽しみです。
  
  KOTARO FUKUMA et MATHIEU GANIO : Le Rappel des Oiseaux « CAFÉ DE LA DANSE
  サイト>>>
  
  京都岡崎音楽祭
  サイト>>>

連載第11回 2016年5月

• ◆ピアノ・リサイタル ～トランスフォーメーション～ヤマハホール

  ◇すべてを注ぎ込んで準備したプログラムを、今聴いてほしい

  
  
  －6月のヤマハホールのリサイタルは、いつものように福間さんらしく凝ったプログラムですね。
  
  変形、変質－－トランスフォーメーションをテーマとしたプログラムです。これからコンクールに挑戦しようという若いピアニストにも聴いてほしい、レパートリーにおすすめの作品も選んでいます。
  バッハの「パッサカリアとフーガ」では、フーガで調性がどんどん変化し、雰囲気も変わっていきます。あまり演奏される機会がない曲ですが、もとがオルガン曲なので重厚で、とても充実した作品です。
  モーツァルトの「幻想曲」は、6分弱の短い作品の中で、キャラクターがどんどん変わっていきます。そしてシューベルトの「さすらい人幻想曲」は、4つの楽章にわたって形が変化していきます。グラナドスの「ゴイェスカス」からの2曲では、“マホ”のテーマが両方で姿を変えて現れます。
  スケルトンの「≪ジョニーが凱旋するとき≫の主題による25の変奏曲」は、変奏曲ですからもちろん主題がさまざまに“変化”します。みなさん聴いたことがあるような民謡の旋律をテーマにしているので、楽しんでいただけると思います。すばらしい作品なので、流行らせたいですね！
  
  －次々と演奏会プログラムのアイデアが浮かんでくるようですね。
  
  アイデアは次々浮かんでくるのですが、短い期間に複数のプログラムを演奏することになると、時間に追われて準備しなくてはならないので大変な時もあります(笑)。でも、僕は同じプログラムをずっと演奏することが苦手なタイプなので、そういうほうが合っているのかもしれません。もしも1年間まったく同じプログラムをずっと演奏しろといわれたら、途中で気力がなくなってしまうのではないかと思います。あるプログラムで続けて演奏できるのは、初披露から3、4ヵ月といったところでしょうか。
  とにかく、やりたいことが多すぎて、自分の人生の時間内でどうやったら全部に取り組むことができるかを考えながら、次のプログラムを考えているようなところがあります。
  ですから、お客さまには、このプログラムはおもしろそうだと思ったら、その時に来ていただけたらと思います。前のシーズンで弾いていたプログラムをもう一度やるということは、僕の場合はあまりないと思いますので(笑)。
  今、この曲を聴いてほしいと考えながら命をかけてすべてを注ぎ込んだ演奏を、ぜひ聴いていただきたいです。

連載第10回 2016年4月

• ◆パリ・オペラ座エトワール、マチュー・ガニオとの共演を前に

  ◇ゴーゴリの「狂人日記」をベースとした舞台

  
  ©Correspondanses Compagnie
  
  －今度パリで、パリ・オペラ座エトワールのマチュー・ガニオさんと、バレエとピアノ演奏による舞台で共演されるそうですね。
  
  はい。もともとバレエには興味があったので、彼のようなフランス・バレエ界の大スターと共演させていただけることがとてもうれしいです。
  
  ©Olivier Bouley
  昨年3月、パリのサル・ガヴォーでのリサイタルを聴きにいらしていた方が、マチューの舞台の演出家と友人ということで、紹介されました。ピアノによるバロック音楽を使った舞台を考えていたそうで、ちょうど僕がリサイタルで弾いていたバッハを気に入ってくださったことがきっかけです。今年5月にパリで初演し、その後、他の都市でも上演できたらということです。
  
  －どのような舞台なのですか？
  
  ベースとなる物語は、ゴーゴリの「狂人日記」です。バレエの踊りだけでなく、語りや演技もあるので、純粋にバレエが中心の舞台ではありません。ステージに立つのはマチューと僕だけで、小道具やセットも最小限、他は照明による演出になります。主人公が狂う場面ではバッハが、恋をしているときはラモーが流れます。二人の音楽の対比が興味深いものになるでしょう。
  
  ©Olivier Bouley
  マチューは20歳でエトワールになり、それ以来、主役の王子様役をたくさん務めてきている方です。今回“狂人日記”の主人公を演じるということで、これまでとは違う一面が見られるのではないでしょうか。彼にとっても新しい挑戦のようです。
  
  －マチュー・ガニオさんと共演するステージに期待することは？
  
  マチューはバレエ界において“Danseur Noble”といわれています。Nobleには高貴という意味がありますが、彼はそう呼ばれるにふさわしい、気品のあるダンサーです。舞台でのオーラも本当にすごい。技術だけでなく、あれほどの品格を持つダンサーはなかなかいないのではないでしょうか。 僕はこれまで、フィギュアスケートと共演したことがあり、また他のダンスとの共演の話もありましたが、彼のようなすばらしいバレエ・ダンサーとの共演は初めてです。多くのことを学ぶことができたらと思います。

連載第9回 2016年4月

• ◆ゴールデンウィーク恒例「N響 ゴールデン・クラシック」

  ◇ネット社会の発達で、ファンの方々の意見を企画に反映できるおもしろさ

  －5月3日に東京文化会館で行われる「N響ゴールデン・クラシック」では、ラフマニノフの「パガニーニの主題による狂詩曲」を演奏されます。
  
  実は今回、ラフマニノフのピアノ協奏曲のうちどれを演奏するか、いろいろな意見があって最初は迷いました。一般的には第2番が人気ですが、僕自身は「パガニーニの主題による狂詩曲」も弾きたい気持ちがあったのと、いつもコンサートに来てくださる方には、僕の演奏ならパガニーニのほうが聴きたいという方のほうが多いのではないかという気がして……。
  
  それで、ラフマニノフの第1番～第4番とパガニーニのうち、僕の演奏でどれが聴いてみたいか、ツイッターでみなさんにアンケートをしてみたのです。たくさんの方がリプライをくださり、結果、パガニーニが1位となったので、今度の演奏会ではこちらを演奏することになりました。
  その後も何度かこうしたアンケートをしていますが、予想通りのことも、そうでないこともあり、とても興味深いです。こうしてみなさんの意見を聞いてコンサートに反映させられるというのは、SNSが発達した今の時代ならではで、おもしろいですね。こういうやりとりがあると、お客様にとってもコンサートまでの楽しみな気持ちが増すと思いますし、僕自身もアイデアが浮かぶことがあります。
  この質問をきっかけに、ラフマニノフの協奏曲を全曲改めて聴いてみたという方もいらして、そうやって興味を広げてもらうきっかけになれたことも嬉しく思います。
  
  －2月におこなわれた彩の国さいたま芸術劇場「ピアノ・エトワール・シリーズ アンコール！ Vol.5 《武満徹の20年目の命日に捧ぐオマージュ》」でも、事前に曲の解説などをネット上で公開されていましたね。
  
  もともとプログラムを組むときには、その曲目によって疑問を投げかけ、実際に会場で聴いて、初めて納得して楽しむことができるようなものをと考えています。特にクセナキスの「エヴリアリ」の解説などは反響も大きかったです。終演後サイン会で、ブログを読んでから聴いたことでより楽しめたと言っていただいて、「これが求めていた反応だ！」と、嬉しかったですね。
  
  僕が何を感じているか、何を見てほしいと思っているかを伝えることで、聴いている方の心理状態や聴こえてくるものも変わってくると思います。これからもアンテナを張って、今の時代だからこそできることをやっていきたいと思います。
  あと、この公演では、照明などの演出にもこだわりました。これは、これまでのアイスショーへの出演や、いろいろな国でライヴパフォーマンス芸術を見てきた経験からアイデアを得たものです。実は、今年のファンタジー・オン・アイスへの出演も決まりました。今からとても楽しみです。
  
  
  －ところで「N響ゴールデン・クラシック」に話を戻しますが、今回がN響とは初めての共演、そして指揮者のミハエル・ゲルツ氏とは2度目の共演だそうですね。
  
  ゲルツさんとは、昨年、フランスのリールで、バルトークのピアノ協奏曲第2番を共演させていただきました。難しい曲なのですが、ゲルツさんの迷いのない落ち着いた指揮のもとでは、僕もオーケストラも安心して演奏することができ、ぜひまた共演させていただきたいと思っていました。今回が初来日だそうです！
  
  －この演奏会ではオーケストラコンサートの開演前に、プレコンサートとして20分間ソロの演奏をされますね。このプログラムにもこだわりが？
  
  まずは、ショパンとリストという、スターピアニストでもあったロマン派の作曲家たちというふたり。そして、スクリャービンとラフマニノフというモスクワ音楽院の同級生でありながら、音楽性は異なる方向に進んでいったふたりが並んでいます。
  
  そして、ラフマニノフの「パガニーニの主題による狂詩曲」に合わせて、リストが同じテーマから書いた「パガニーニによる大練習曲第6番」を。このふたりのピアノ曲には、音が多く、ピアノを越えてシンフォニックな表現にまで広がっているという共通点があります。
  一方、ショパンとスクリャービンは、逆にピアニスティックな表現の中で音楽を追求した作曲家だと思います。作品同士がいろいろなつながりを持つプログラムです。
  この日は、ひとつのコンサートでソロもコンチェルトもシンフォニーも聴くことができますので、ぜひ楽しんでほしいですね。

連載第8回 2016年2月

• ◆特別編

  新譜「モーツァルト：ピアノ協奏曲第9番変ホ長調《ジュノーム》／シューマン：ピアノ協奏曲イ短調」について語る(後編)

  ◇ドイツ・オーストリア音楽への強い想い

  
  
  －シューマンの協奏曲には、どのようなイメージをお持ちですか？
  
  室内楽のような感覚がある作品です。楽曲として、しっかりと盛り上がりを見せながら、さまざまな箇所で対話があります。寄り添うところもあれば、反発し合うところも、同じ方向を見て進んでいくところもあります。
  シューマンの妻、クララを表しているモチーフも現れますから、やはり愛に満ちた作品なのだと思います。僕なりに、愛情をたっぷり込めて弾いたつもりです。
  
  －今回の協奏曲のアルバムは、モーツァルト、シューマンと、ドイツ・オーストリア系の作品が揃いましたね。
  
  そうですね、結果的にこうなって良かったなと思います。ソロのアルバムと、また違った雰囲気に仕上がりました。
  例えばショパンは昔から大好きな作曲家でしたが、シューマンについては、好きになったのがわりと遅いんです。留学する前の高校生くらいからだったでしょうか。ピアノ・ソナタ第２番や、「アベッグ変奏曲」、「幻想小曲集」など、その頃からいろいろ取り組むようになりましたね。フランスに留学してから、シューマンがさらに好きになりました。 きれいな曲がたくさんあるのですが、リズムや和声がとっつきにくく、複雑で理解不能な部分もあります。でも、それが魅力でもあるんですよね。
  
  －ドイツに暮らしていることで、こうしたドイツ・オーストリア系の作曲家に対しての共感は深まるものですか？
  
  それはありますね。以前はフランス音楽が好きだったので、最初の留学先にパリを選び、そのうちドイツ音楽に憧れるようになったので、ベルリンに移りました。ドイツ語を学び、ドイツ人の先生から教えを受け、ラテン系とは全く違う気質、メンタリティ、音楽へのアプローチなどを間近で見て、それらが私のドイツ音楽への解釈にも影響を及ぼしていると思います。
  その内に、スペイン音楽やロシアもの、他のジャンルにも憧れていき(笑)……でも、他のものが好きになるからといって、前のものに興味を失うわけではないですよ！
  
  ドイツ音楽は、自分にとって大切なレパートリーですので、生涯かけて勉強していきたいと思っています。もちろん、加えてフランスものや現代音楽などいろいろなものに挑戦したいと思っていますが、ときどき“戻ってくる”というような感覚で、ずっと取り上げていきたいです。

連載第7回 2016年1月

• ◆特別編

  新譜「モーツァルト：ピアノ協奏曲第9番変ホ長調《ジュノーム》／シューマン：ピアノ協奏曲イ短調」について語る(前編)

  ◇山田和樹指揮、横浜シンフォニエッタとの楽しいライヴ録音！

  
  
  －さて、続いては、山田和樹さん指揮、横浜シンフォニエッタとの共演によるコンチェルトのアルバムについてお聞きします。録音はいかがでしたか？
  
  楽しかったですね。山田さんと最初にお会いしたのは2013年のはじめで、2014年1月にはシューマンのピアノ協奏曲で、2015年2月にモーツァルトのピアノ協奏曲第9番「ジュノム」で共演させていただきました。スムーズに共演や録音リリースが実現して、光栄に思っています。
  ヤマカズさんは僕の4つ年上なのですが、みなさんご存知の通り、とても気さくな方なので、共演させていただいてとても楽しかったです。横浜シンフォニエッタは山田さんの同窓生や仲間を中心に構成されている若いオーケストラで、みなさんが彼を慕い、信頼して集まっているので、山田さんの求める音楽を引き出そうという良いエネルギーに満ちあふれています。本番はもちろん、リハーサルからすごく楽みました。
  
  －どちらもライヴ録音ですね。
  
  はい。本番は、録音が入ると知っていることで硬くなりがちですが、なるべく意識せず思い切り感情を出すよう努めました。特にシューマンの協奏曲は、オーケストラの楽器との対話があちこちに散りばめられているので、その場で生まれる会話のように楽しみながら演奏しました。
  
  モーツァルトの「ジュノム」は、僕の大好きな作品です。モーツァルトの作品の中では1番目か2番目に好きですね。冒頭からオーケストラとピアノの対話で始まるところ、2楽章で長めのカデンツァが入るところ、3楽章でいきなりメヌエットが入るところなど、モーツァルトの新しいアイデアにあふれていて、彼の人生前半における最高傑作だと思います。この作品を、山田さん、横浜シンフォニエッタさんとの共演で録音できたことは本当に嬉しいです。
  
  －モーツァルトの演奏は難しいとよく言われますが、なぜだと思いますか？
  
  全ての要素がシンプルでありながら、心からの歌になっていなくてはならないからだと思います。 無駄な要素は一つもありませんので、全部が有機的に結びついる必要があります。単純な伴奏型の部分でも、光を放ち、色を表現し、空気感を出さないといけません。この部分が生きていなければ、いくら右手のメロディで歌っていても、音楽は生き生きとしません。これがとても難しいところだと思います。
  それに協奏曲はオーケストラと共に演奏しますから、オペラのようにいろいろなキャラクターが現れますので、それを表現する必要もあります。
  (後編に続く)

連載第6回 2015年10月

• ◆特別編

  新譜「モルダウ～水に寄せて歌う」について語る(後編)

  ◇アルバムを通して、旅をしてほしい

  
  
  －「水と光」に加えて、今回のアルバムのもうひとつのテーマは「歌」ということですが、ピアノで「歌」を表現するにあたり、心掛けたことはありますか？
  
  ピアノは、鍵盤を押さえたらその後は音が減衰していくものですが、歌というのは伸びていきますから、これをピアノで表現するのは大きなチャレンジです。そうした歌声ならではの“震動”のようなものが伝わる表現を心掛けました。
  作曲家によって求められる音や歌わせ方は異なりますが、どの場合も、歌曲がもとになっている作品を弾く時は気持ちの込め方が違います。メロディを担当している指にかける想いが、普段の十倍、二十倍になります。
  例えばシューベルトの歌曲のピアノ編曲版を勉強したときは、まず詩の意味を理解して、原曲を聴き、子音の発音までピアノで表すことを意識しました。これは、とても大切なことだと思っています。
  
  －歌いながら弾くこともありますか？
  
  あります。デビューしたばかりのころは本番でもそれが出てしまって、後から自分で録音を聴いてちょっとどうかなと思うほどだったのですが(笑)、今は直しました。
  最近でも、練習中にはよく歌います。伴奏を弾きながらメロディを歌ってみることもあります。それによって、自然な抑揚や呼吸のタイミングなど、いろいろ発見があるのです。
  
  －このアルバムを聴くみなさんに、どんなことを感じてほしいですか？
  
  まずは、単純な水というのではなく、その流れと光を感じていただきたいということ。ピアノは、水の流麗な様を表現するのにとても適した楽器だと思います。ペダルを使ってふわっと響かせることで、水の波紋を表現することもできる。そんなピアノならではの表現を聴いていただきたいです。
  次に、もうひとつのテーマが「歌」ですので、作曲家が表現しようとしていた言葉を感じていただきたいです。
  そしてやはり、旅をしてほしいということ。僕自身、旅がすごく好きなので、このアルバムで表現する川や海を旅する感覚を味わっていただけたら、嬉しいですね。

連載第5回 2015年9月

• ◆特別編

  新譜「モルダウ～水に寄せて歌う」について語る(前編)

  前回までは、福間洸太朗のピアニストとしての歩みをご紹介してきましたが、ここからの数回は10月14日の新譜2タイトルのリリースによせて、録音についてのインタビューをご紹介します。
  
  

  ◇水と光をテーマとした演奏活動は、ライフワーク

  
  
  －今回、ソロアルバム「モルダウ～水に寄せて歌う」の曲目は、ご自身の編曲によるスメタナの「モルダウ」に始まり、サン＝サーンスの「白鳥」で終わるというものです。プログラミングのコンセプトは？
  
  「モルダウ」では、泉が沸くところから始まり、川がさまざまな情景の中を通って海に出てゆく様子が描かれています。アルバムの流れを象徴する物語を持っている作品なので、冒頭に置きました。
  その後、前半は川を表現する作品が続きます。調性や音楽の始まり方、終わり方などに関連性が感じられる、メンデルスゾーン、ショパン、リャードフの「舟歌」は、続けてお届けしたいと思いました。また、冒頭から、モルダウ、ライン、ドナウという3つの川を順に訪れるようにしたいという、密かなこだわりもありました。
  そしてシューベルトの歌曲編曲作品のうち、「水上にて歌う」で少し海に向かい、シャリーノ、カスキ、ベインズの作品で、海を表現します。そして最後は平穏な湖で、平和や愛を象徴する「白鳥」で静かに閉じます。
  今回の録音の曲目を決めるにあたっては、2012年に「モルダウ」の自身による編曲版を演奏したとき、日本はもちろん、フランスやドイツなど海外の方々からも録音してほしいという声があったことが、大きなきっかけとなりました。なので、全作品のなかでも「モルダウ」には特に意識が注がれています。それに加えて、水と歌にまつわるお気に入りの作品を集めました。
  
  －水をテーマとしたアルバムは、2012年の「水の反映～ドビュッシー：ピアノ作品集」以来2度目となります。やはり水に対しては特別な想いがあるのでしょうか。
  
  ありますね。それを意識するようになったのは、2006年に南アフリカ・ケープタウンで光輝く美しい海を見て、自分の名前にある「洸」という字が、水と光を表していると改めて気付いたことがきっかけです。
  僕自身、水と光が織りなす情景には、これまで本当にいろいろな場面で助けられてきました。ときに勇気づけられ、ときに平和を感じ、そしてときにインスピレーションを与えられることもありました。水と光をテーマに演奏活動をすることは、僕にとってライフワークのひとつとなると思います。
  (後編に続く)

連載第4回 2015年8月

• ◆南アフリカはじめ、世界の街でのリサイタルが増える

  “謎の高熱”からの脱却(2006～2007年)

  
  

  ◇本番前、謎の高熱に悩まされる

  2006年は、海外での演奏活動が充実してきた時期です。パリでお世話になったご婦人が南アフリカ出身だったご縁で、初めての南アフリカツアーを行ったのもこの年でした。
  会場にピアノ椅子がなかったり、なぜか楽屋が散らかり放題で廊下で着替えなくてはならなかったり、驚くことも多いツアーでしたが、旅の中で得るものはたくさんありました。
  例えば、ツアー3日目にサファリパークに行ったときのこと。半分野生のたくましい動物たちを目の当たりにする中で、彼らの力強い生命力や、大自然と動物の織りなす美しいハーモニーに感銘をうけました。ジープに乗って保養地内をうろつき、彼らの秩序を乱す我々人間のほうが、むしろ野蛮なのではないかと感じたことが印象に残っています。
  また、ケープタウンで見た海の美しさも忘れられません。水に対する意識が高まったのはこの時です。漠然と、「水」をテーマにリサイタルをしたいと考えるようになりました。これは2012年に実現することができたわけですから、6年越しの計画が実ったことになります。
  
  
  この頃から、パリやドイツ、イタリアでの小さな演奏会も増えていきました。2007年には、ベルリンでのデビューリサイタルも行いました。ただ、二日公演あって初日に40度の熱が出てしまい、大変なデビュー公演となってしまいました。無事に最後まで弾ききりましたが、あまり記憶がありません。 実はこの頃の僕は、本番やレコーディングの前に高熱を出すことがとても多かったんです。アルベニスの「イベリア」全曲を録音したときも、前日に38度の熱を出しました。同じころ、武満の作品集をリリースしたばかりで、日本、アメリカ、南アフリカなどでレクチャーコンサートをしたのですが、パリでの本番の直前にやはり熱を出し、声はでないし具合は悪いしで、散々だったこともありました。
  一体なぜこれだけ頻繁に本番前の高熱に悩まされたのか、未だにはっきりと理由はわかりませんが、きっとストレスが原因だったのだと思います。
  
  

  ◇サンタンデール国際ピアノコンクールでの衝撃

  そんな悩みが解消されたのは、2008年、スペインのサンタンデール国際ピアノコンクールでの経験がきっかけでした。私にとって、5年ぶりの国際コンクール挑戦。クリーヴランドの優勝者だということで注目され、プレッシャーもありました。運よく本選に残り、演奏もわりと満足のいくものができて、周りの人たちからは結果発表を前に、すでに祝福の言葉がかけられていました。このコンクールは結果発表まで1日あいていたので、その間に「優勝したらインタビューでどんな話をしよう」なんて余計なことまで考えたり……。
  
  
  そして出された結果は、第3位。優勝できるかもしれないと勝手に思っていたので、頭が真っ白になりました。しかもこの授賞式では、発表のあとすぐに演奏しなくてはいけなかったので、夢か現実かよくわからないまま、心ここにあらずな演奏をしてしまいました。
  でも、この出来事によって吹っ切れたようで、これ以降、本番前に熱を出すことがほとんどなくなりました。 また、このコンクールをきっかけに、アルベニス没後100年の記念行事に呼ばれ、スペイン国内外で20公演ほど演奏しました。コンクールで大切なのは順位だけではない、自分の演奏を良かったと言ってくれる方を大切にしなくてはとつくづく感じました。以降、コンクールを受けるときは、優勝を狙うとかではなく、自分がピアニストとして伝えたいことを表現できるプログラムを選ぶようになりました。
  
  この頃に比べると、今は本当に強くなりました。たとえ本番前に興奮で眠れなくても、眠れなかったと思わないように気持ちを切り替えます。きついスケジュールでも楽しんで演奏会に臨むことができるようになりました。

連載第3回 2015年7月

• ◆大切なことを学んだアメリカでのコンサート

  演奏会が成功するということとは…(2005年)

  
  

  ◇コミュニティ・オーケストラとの共演

  2005年はいろいろなコンチェルトを演奏する1年になりました。なかでも記憶に残っているのは、2月、アメリカのコミュニティ・オーケストラであるセントラル・オレゴン・シンフォニーとの演奏会です。アマチュア奏者も混じったオーケストラなので、リハーサルなどではヒヤヒヤする場面もあったのですが、3日間の本番を共にし、最終日にはすばらしい演奏をすることができました。技術的にはプロのオーケストラのようにはいきませんが、とにかく音楽への情熱と愛情があり、皆の心が一つになったと思える演奏でした。ソリストへの目線も温かいので、まだ若かった私も自分からいろいろな意見を言うことができて、とても良い経験になりました。 当時の指揮者の方が今も覚えていてくださり、今年2月にガーシュウィンのへ調のピアノ協奏曲で、10年ぶりに再びこのオーケストラと共演させていただきました。 由緒ある有名なオーケストラと共演することもすばらしい経験ですが、こうしたコミュニティ・オーケストラとの共演からも、学ぶものがたくさんあります。以来、海外では様々なレヴェルのオーケストラと共演させていただいています。
  
  
  

  ◇お客さんがいない！初心に戻ることのできた演奏会

  もうひとつ、アメリカの演奏会で印象に残っているのは、3月、ケント州立大学でのリサイタルです。 そこはクリーヴランドからそう遠くない場所だったのですが、リサイタルが始まるころになっても客席にお客さんがほとんどいない……まだ開演時間じゃなかったのかと思うほどです。後で聞いたところによると、私がクリーヴランド優勝者である故に油断をして、殆ど宣伝しなかったとのこと。 動揺しましたが、今ここにいる方々に良かったと思っていただける演奏をしようと気持ちを切り替え、高い集中力を保って演奏することができました。1曲終えたところで少しお客さんが入ってきて、最後にはだいたい三十数名ほどが集まったでしょうか。 この時のアンコールには、初心に帰るつもりで、ピアニストになりたいと思わせてくれた大切な作品である、プーランク「3つのノヴェレッテ」第1番を演奏しました。これは中学3年生のとき、初めての海外のコンクール挑戦となったジーナ・バックアウアーコンクールで演奏した作品です。ある審査員の先生が褒めてくださって、「そのピュアな音楽性を大切にがんばれば、良い音楽家になれますよ」という言葉をかけてくれた思い出があります。そんな作品を、音楽を愛する気持ちを改めて思い返したいという気持ちで演奏しました。 終演後、ロビーに出てみると、客席にいたほぼ全員のお客さまが待っていてくださって、中には涙を流している方もいらっしゃいました。 演奏会は、満席になったから成功だというわけではない。自分だけが独りよがりにうまくいったと思っても成功ではない。そこにいるお客さまとすばらしい時間を共有し、みなさんに感動を届けることができて初めて、演奏会は成功したと言えるのだと実感する出来事でした。

連載第2回 2014年12月

• ◆東京デビューとアメリカでのツアー、怒涛のスケジュール！

  ひと夏を経て、格段に強くなった(2004年)

  
  

  ◇津田ホールでのデビューリサイタル

  クリーヴランド国際ピアノコンクールに参加した頃、僕はパリに留学していました。優勝するまでは小さな演奏会が少しあるくらいだったのが、やはりコンクールを境にコンサートが増えてゆきました。 コンクール翌年の2004年夏に津田ホールで行った日本デビュー公演は、東京で初めての単独リサイタルということもあり、チケットは無事に完売。そのうえ当日券があると思っていらした方が50人近くもいたため、ホールの方に無理を言って壇上に20席ほどつくってもらいました。
  プログラムはシューマンの「アベッグ変奏曲」、「3つの幻想小曲集」、ショパンの「舟歌」と「幻想ポロネーズ」。そして後半は、今回の新アルバムでも収録したムソルグスキーの「展覧会の絵」を演奏しました。それもあって、これはとても思い出のつまった作品なんです。
  生まれも育ちも東京の僕にとって、いわば初めての地元での演奏会ですから、期待に応えられるだろうかという不安が大きくて、とても緊張しました。
  しかし、半年前のNYデビュー本番前に母が言っていた、「今すべきことは、ここまで応援してくれた方や聴きに来てくださった方に感謝し、この場で弾ける喜び、音楽に対する愛情を表現すること」という言葉を思い出し、なんとか自分の演奏ができました。
  
  

  ◇得るものと消耗するもの

  この津田ホールでの公演の後は、今でも忘れられないほどの怒涛のスケジュールが待っていました。
  リサイタルが終わってすぐにパリに戻り、NHKのスーパーピアノレッスンの収録(講師はマリア＝ジョアン・ピリスさんで話題となりました)、その後すぐポーランド、ドゥシニキのショパン・フェスティバルで演奏し、その夜中の3時には空港を発って、初めてのCDの録音をするためにトロントへ。翌週からはアメリカツアーで、プロコフィエフのピアノ協奏曲第3番と、ベートーヴェンのピアノ協奏曲第3番を演奏しました。ほとんどすべてのことが初めての体験でした。
  この頃はまだ、リサイタルごとに得るものも大きかったけれど、消耗する部分も大きかったように思います。当時はコンセルヴァトワールの3年目で、2、3ヵ月に一度アメリカに行って演奏することとの両立もとても大変でした。
  特にアメリカで演奏するときはいつも、クリーヴランドコンクールの優勝者として見られるというプレッシャーを抱えていました。1時間半の演奏内容を仕上げることにも大きなエネルギーが必要で不安だったし、精神的にも体力的にも辛かったです。 それでも、この夏を乗り切ったことで、自分自身が強くなり、消耗する度合いも断然減りました。ひとつひとつのことにポジティブに取り組めるようになりました。この時期のおかげで、かけがえのないものを得ることができたように思います。

連載第1回 2014年10月

• ◆クリーヴランド国際ピアノコンクール優勝

  そして、これまで語ることのなかったある思い出(2003年)

  
  

  ◇名門クリーヴランド管弦楽団と共演、見事優勝に輝く

  高校卒業後、フランスに留学し、パリ国立高等音楽院で学び始めたのは2001年秋のこと。
  クリーヴランド国際ピアノコンクールに参加したのは、留学2年目となる2003年の夏でした。音楽院の授業があるため、夏休みに開催されるコンクールでないと受けられなかったこともありますが、なにより本選に進めばクリーヴランド管弦楽団と共演できるということも、参加を決めた大きな理由でした。
  コンクールのスケジュールはかなりハードでした。演奏順の都合で、例えば、2次予選の演奏をした夜に結果発表があり、翌日には3次予選で60分のリサイタルを弾かなくてはならないこともありました。こうした経験を重ねる中で、少しずつステージに立つうえでの気力、体力が養われていったと思います。
  無事に本選に進み、ブラームスのピアノ協奏曲第1番で、目標としていたクリーヴランド管弦楽団との共演も果たすことができました。 実は、このときがオーケストラとの共演は人生で2回目。前年、フィンランドで開催されたヘルシンキ国際マイリンドピアノコンクールの本選でフィンランディア交響楽団と演奏したのが、僕にとって初めてのオーケストラとの共演でした。ただ、彼らと演奏したのはラヴェルの左手のためのピアノ協奏曲だったので、オーケストラと“両手で”共演したのは、クリーヴランドが初めてといえます(笑)。
  結果、日本人で初の優勝を果たすことができました。副賞で2年間のマネジメント契約がつき、同年11月のニューヨーク・リンカーンセンターでのデビューリサイタルを皮切りに、アメリカ各地で演奏活動を行うようになりました。翌2004年夏には、コンクール優勝後のお披露目として、東京・津田ホールでデビューリサイタルも行いました。まさにこの優勝から私のピアニストとしてのキャリアはスタートしたといえます。
  
  

  ◇衝撃の評論記事

  実は、このコンクール優勝の背景には、今だからこそ語ることのできる苦い思い出があります。
  結果発表の翌日、地元の新聞の1面には、大きく私の写真が掲載されました。しかしその下にあった見出しは、『驚きの優勝者、審査員はどのように決定を下したのか』。 評論家の記事は、「Did the wrong contestant win the 2003 Cleveland International Piano Competition?(クリーヴランド国際ピアノコンクールでは間違ったコンテスタントが優勝した？)」という一文から始まり、かなり厳しい意見が書かれていました。［注：このときの第2位はSoyeon Lee、第3位はKonstantin Soukhovetski、第4位はAndrius Zlabys。全員アメリカで勉強しているピアニストで、とくに4位のAndrius Zlabysはクリーヴランド音楽院在学中、地元聴衆から人気があった］ 正直言って、とてもショックでした。この記事が出たあと、コンクール事務局の方が私を呼び出して、「記事を読んで悲しんでいるかもしれないけれど、これから演奏活動を続けていく中で、こういうことは必ず起きる。最初の障害をまずは乗り越えてほしい。あなたが今やらなくてはいけないことは、優勝を一つの自信として成長してゆくこと。毎回のステージでベストを尽くし、結果が正しかったことを演奏で証明してゆくことだ」と、励ましの言葉をかけてくれました。
  今となっては、この出来事があったからこそ、優勝後も慢心することなく、謙虚な気持ちで演奏会に臨むことができたのだと思います。もっとがんばらなくてはと、前向きに演奏活動に取り組みました。
  そうは言っても、11月のデビューリサイタルは本当に緊張しましたね(笑)。前日、緊張で食事は喉を通らないし、夜も眠れない……。それでも当日はベストを尽くして演奏し、スタンディングオベーションもいただきました。
  そしてコンクールの副賞だった2年間のマネジメント契約は6年まで延長され、全部で50回以上もの演奏会に出演させてもらいました。当時は新しい経験ばかりで辛いこともありましたが、今は、この経験が自分を成長させてくれたと思えます。 ちなみにコンクールから数年後、この評論家とお会いする機会がありましたが、私の成長と活躍を喜んでくださっていました。